何健君:艺术创作必须“有感而发”

陈承卫作为一位与佛有缘的青年具象绘画“修行者”,一方面进行着“自我修行”,另一方面在不断思索自己艺术创作的命题。通过《大民国》这一时代主题,不断结合自己的修行和环境去加以诠释,在生活中去探索,在探索中去感悟契合,并跟随这一主题创造出属于自己的艺术语言。

自我形象演绎中的成长

澳门mgm美高梅官网 1

澳门mgm美高梅官网 2

在中国当代艺术界,福建艺术家之所以能够成为一个瞩目的文化现象,就在于他们大都走出了架上绘画的平面束缚,或用装置,或以雕塑,抑或采取影像等多媒介语言来进行创作,从而形成了一个较为整体的艺术面貌,在传递出福建人“爱拼才会赢”的冒险与探索精神的同时,也与别处艺术家的大体形象拉开了距离。而在这样一个特殊的创作群体中,艺术家高孝午无疑是一个中坚力量,起到了推波助浪的作用。

《大民国》是陈承卫对民国时代的一份特殊文化情结,他的作品具有托马斯˙哈代的悲观主义色彩与徐志摩式的忧郁情绪气质。因为在那个短暂而又激荡的历史时期是一个宏大的思潮时代,是一段曲折的艰辛岁月,也是一曲忧伤的人文情怀,在中西方、新旧体制间的不同文化思想影响下,《大民国》具有一种内在的淡淡幽情和外在的精神风骨。

今日美术馆馆长

《开天辟地》:作品以粗犷而极具张力的艺术手法,刻画了一个强健有力,奋勇冲破一切障碍,开辟新领域的天地男儿造型。寓意当代青年坚毅昂扬、积极向上、开拓进取的时代精神风采。作品大气磅礴,充满阳刚之美,具有艺术感染力。

为补充重要主题性雕塑题材的创作,近日中国美术馆特别策划了铸时代篇章青年雕塑家作品展。青年一代的雕塑家以多元的形式语言与观念创新在变换的展示空间中为雕塑本身建构多重的阐释维度,拓展雕塑艺术本体的内涵。观者或许可以从中领略到新时代主题性雕塑创作的面貌,一窥当下中国雕塑艺术发展的新特征。

高孝午1976年出生于福建三明,自幼在三明的乡村长大,南方乡村茂密的生态与原始的景致,孕育了高孝午的性格,使他对一切生命形态与自然事物,都充满了欣喜与好奇;而福建民间极为丰富的传统艺术,如手工艺、漆艺、石雕、木雕等等,又启迪了高孝午的想象力与创造力,为他日后从事艺术创作,带来了源源不断的灵感。可以说,高孝午的艺术思维,是自幼养成的,与他的成长环境有着密切关系。当然,教育背景也很重要,是塑造他审美趣味的人文基础。高孝午出生于耕读之家,父亲能写善画,至今都保留着传统的生活方式。这对高孝午的人格成长,起到了价值观的导向作用。而他成年后就读的厦门工艺美术学院,又为他进入艺术之门,奠定了造型基础,开阔了文化眼界。

他的“民国范儿”表现出大时代环境下的一种“自我”解读,通过对历史的穿越,折射出新旧思想的碰撞,从而在内容上产生“戏剧化”冲突,表达了艺术家对现实生活的某种主观批判。在这些创作中包含了他的个人情感、生活以及环境事物的多种因素,作为艺术创作过程的主体,他注重观察和体验现实生活,关注人的思想状态和内心世界,通过对精神和艺术创作的活动,以及自我加工和再创造,使作品具有了强烈的自我意识和丰富情感。

在西方艺术史中,有一个门类的绘画常常被人忽视,这个门类对于艺术家来说又是至关重要,它们是艺术家自己的镜子,证明着自己的存在,那就是自画像。

《梦的季节》:作品表现一个清纯可爱的女孩坐在洁白无瑕的白云上,向远方眺望,神情专注而向往。造型简练、明朗,手法新颖,风格清丽自然。通过浪漫和抒情的艺术语言刻画出女孩在花样年华的多梦季节里,内心对成熟的渴望,对外面世界、对未来充满美好的憧憬和向往。

参观者在中国美术馆参观展出作品冼星海

厦门工艺美术学院,主要以设计类专业为主,前身是厦门工艺美术学校,其学院坐落在美丽的鼓浪屿,历史悠久,在教学上既注重技艺的实践,同时也强调思想的启发,曾为设计界与工艺美术行业培养过许许多多的优秀人才,福建的不少当代艺术家也都出自该校。高孝午就读于此,一方面学习了各种造型技能,另一方面也受到了其开放的思想氛围的影响。所以,毕业后的高孝午没有选择留在厦门找工作,而是只身到外面的世界去闯荡,赴上海,转北京,相继又在中央美术学院的雕塑系深造,以至于最后落户在京城,当了一名职业艺术家……

同时,他把抽象的思想修炼与概念的创作过程有机结合,在意识中将自己的构思、人物与空间相组合形成审美意象,运用人物不同形态来塑造不同的审美情愫,展现一种经过理想化“改造”的民国时代。《大民国》是一段复杂而又漫长的创作过程,期间经历了艺术家不同的阶段和实践,在对事物环境本质与普遍性有了更新认识之后,其具有了更为深刻的思想内涵。

对于艺术家来说,自画像远不是练习作品那么简单。1000多年前,艺术家的签名出现在艺术品上。艺术家从此不再是手艺人,而成为“大家”被人尊重,被历史记录下来。

《战神》:人与马匹运用具象与夸张的艺术语言相结合,手法朴拙、粗犷,造型充满力量感和张力。让人感觉到战无不胜、开天辟地的气势。作品着重体现金戈铁马、纵横驰骋的不断开拓进取、奋发向上精神。

展览开幕的当天下午,关于青年雕塑家的作品创作有一场专题讨论会同期举行。主题性美术创作一直是中国美术事业的重要组成部分,随着时代的发展,主题性美术创作的内容、风格也逐渐趋于多元化。然而,在历史感日益扁平化的今天,如何塑造并凸显具有纵深超越的人文精神,成为摆在每位创作者面前的难题。

可以说,高孝午的艺术生涯,正是从他北上京城之后,才正式开始的。尽管之前他也创作过不少雕塑作品,比如曾为寺院做过许多佛像等等,但那都是为日后的创作,做前期的造型铺垫。而真正回到艺术状态之中,以自己的文化立场出发进行艺术创作,还是高孝午到了北京,尤其是经过了中央美院的洗礼之后。这当然得益于北京文化环境的陶冶,同时,也源于高孝午的执著与敏感。所以,他到北京后,很快便切入到了时代潮流中,其雕塑作品也与当时的艺术流行样式一脉相承,均反映出了生活方式与时代心理的变化。比如他早期创作的一组雕塑作品,以鞠躬、微笑,以及憨态可掬的人物形象为语言特征,就跟当时的艺术潮流,有着同声共气的关联。这是高孝午的雕塑作品,很快受到业界关注的原因,当然也是他遭遇的创作困境。

佛学的修行方法是思维修炼,是通过思维思考来进行修行。为此,他远离大城市的喧嚣和浮躁,奔赴世界各地学习和领略西方大师优秀作品,让自己尽可能在独立思考中静下心来。伴随着对艺术理解的不断加深,他努力使自己进入一种“禅定”的思想境界,去思索艺术创作,在这种艺术思维修炼中,领悟“无我”的思想共相性。“诸行无常,一切皆苦,诸法无我,寂灭为乐”代表了修行者的修炼方向,对于年轻的艺术“修行者”来说,他需要在漫长的生活中不断探索艺术创作的思想真谛,去思考其中的“自我”主题。

相同的,自画像的存在无疑代表着艺术家地位的提升,他们不再是沉默的记录者,反而走上主角的位置,用自己的笔传递着自己独一无二的个性和生命故事。在没有摄影技术的时代,这种对于自身的记录,是艺术家们独有的天赋。

艺术源于生活,却高于生活!艺术家何健君在创作上一直保持着对生活和社会各种现象的思索,并以抒情浪漫的形式表达生活中的真善美和人文关怀。我把抽象的思维和感情以具象的雕塑传递给人们,立体的雕塑,其力度是全方位的,带给人们的感受比起绘画有过之而无不及。

理论不是用来装点门面的

事实上,高孝午很早就意识到了这个困境,并一直试图摆脱某些潮流的影响。所以,在创作了一系列夸张、变形和简约的人物形象之后,他又做过多种艺术尝试。比如增强作品的可爱元素与憨态形象;比如以《软暴力》为创作观念,展开另一系列作品的探索等等,就都是高孝午试图强化自己的艺术个性,与别的流行艺术样式拉开距离。然而,尽管高孝午在观念和语言上都做了多方面探索,但仍然在既定的时代风格中。这成了高孝午的苦恼,也使他一度陷于这种苦恼之中,殚精竭虑。不过,自由的天性,以及探索的意志,终就没有挡住高孝午自我超越的步伐。通过反复的试验与不断地思索,高孝午逐渐明白了“功夫在画外”。于是,他开始将视线从原来的视觉形象中挪开,转入日常生活,以及自我修行的宗教领域,思索一些更为深邃的人生命题。继而,他从生与死、出世与入世等矛盾关系中获得灵感,创作出了转型时期的代表作品《出入》。

收藏家 友人:黄予 杨勇

《自画像》30×40cm

艺术应符合大众审美

艺术创作犹如一座山峰,朝向不同而风景各异,需要有人从不同方面解读它。好的艺术评论环境,能够促进创作的良性发展;反之,不好的理论环境,则会导致创作水平的下滑。理论和实践,恰似左右脚行走,一步接一步不断向前。一方面,艺术家和艺术作品是理论家生活的土壤,当评论对象与理论家的知识结构、审美取向和艺术目标相一致时,就会被激发出灵感;另一方面,理论家以丰厚学养提出的独到见解,往往连艺术家自己也没有想到或想清楚。通过理论家抽绎点拨以后就会发展、深化、升华。于是,理论推动了实践。可见,理论家和艺术家相辅相成,两者都优秀才会让我们的艺术高原上耸立起座座高峰。

《出入》是以一位禅者为题材,他静坐在螺丝钉上,螺丝钉象征了工业化的结果,以陀螺的视觉形态耸立在地面上,底部铺上沙土制成漩涡,象征了人们无法掌控而身陷在后工业时代的漩涡里……这是高孝午创作《出入》作品的视觉效果,也是他的艺术观念。其实,更重要的内容并不在这件作品本身,而在于它解放了高孝午原来背负的某些束缚,为他日后的创作打开了诸多的可能性。正如在《出入》作品中,高孝午将禅者置于泥沙俱下的漩涡中,刻意营造其镇定自若的袖态一样。如此处变不惊、从容不迫的面对现实,正是高孝午投身信仰之后获得的自在。可以说,宗教信仰启发了高孝午心中的博爱,也赋予了他思想的自由。于是,那些被现实长久遮蔽的美好记忆,如儿时在乡村与大自然亲近,利用自然材料徒手制作各种玩具等等,诸如此类的成长经验,犹如潮水般涌入,不仅丰富了高孝午的艺术思维,也为他开启了一扇通向自我文化记忆的大门。由此,在出与进之间,高孝午通过记忆的穿透,将日常事物关联起来,从中捕捉到了无数生动有趣、活泼可爱的视觉形象,并最终催生出了个性更为鲜明的《再生》系列作品的问世。

2006年布面油画

记者:两千多年前,古希腊哲人亚里士多德曾说:人们为了活着而聚集到城市,为了生活得更美好而居留于城市。您是否认同,城市的美好在于它富含了文艺的因子,而雕塑艺术则赋予了三维空间更多的亲和与感染力。

诚然,作为理论家要懂得实践。但艺术家也要有理论视野,而且理论不是用来装点门面的,要成为塑造自我、丰富自我、提升自我的重要途径。郑板桥说:删繁就简三秋树,领异标新二月花。这是指要把人的生存状态、生命状态和艺术的创作状态,以及艺术家个人成长过程中的状态,特别是对大师、名家的感受融合到一起来思考。艺术家的创作实践相当于中药,纯理论好比西药,游走于理论与实践之间则相当于中成药,兼有两者之长。雕塑家要在各方面锤炼自己,艺术高度是由境界支撑的,也是由基本功和各方面修养完成的。一方面是创作作品,另一方面是锻造自己。创作一批高质量的作品,不是文化部雕塑专题班唯一目的,最终目标是要塑造一批高水平的艺术家。通过国家为我们搭建的这个平台,自我塑造,时代塑造,最后走向世界,展示我们国家的文化自信。

毫无疑问,《再生》系列作品的出现,是高孝午的艺术创作走向了另一个新的阶段。与其过去的艺术作品不同的是,《再生》系列不仅与高孝午的成长经验关联起来,以某种平常人的心态,以及回归于自然的文化命题,补充了当代都市化叙事的某些缺失;更为重要的是,它的语言创新,丰富了当代艺术的语汇,也为当代雕塑的视觉拓展,带来了活力与生机。这就像高孝午在这批《再生》系列作品中,喜欢把自然界的动植物,其相生相息的生长背景,比如青蛙与水珠、鹿角与树枝、蝴蝶与藤蔓,以及鱼与水草、翅膀与叶脉等等之间的依存关系,巧妙地粘合起来加以重新塑造、不断延展一样。如此巧夺天工般的架接与置换、组合与融汇,一方面运用了后现代的造型手段,另一方面取法于民间艺术的夸张与变异,由此呈现出诸多别开生面的视觉新形象,既夸诞又不失真实,既幽默又不乏严肃,让人熟路轻辙之间,却又耳目一新……

对于这些以图像为生存工具的艺术家来说,他们对于图形的敏感远远超过文字。所以与其去写传记,他们不如使用自己的特权,让不同阶段的自己永久保存下来。穿越了时空,忠实的记录自己的内心。

何健君:与平面的书画不同,立体的雕塑可供全方位欣赏,你可以用手触摸感受它的肌理效果。事实上,一件雕塑作品经艺术家之手创作出来后,仍具有很强的可塑性,受众可以赋予它新的生命,而环境正是第四个维度。把一件雕塑艺术作品放置于合适的环境中,能够产生出更大的艺术感染力。例如,美国纽约的自由女神像、米开朗基罗广场上的大卫雕像、丹麦哥本哈根海边的海的女儿雕像等等,标志性的城市雕塑早已成为各国历史文化的象征。而架上作品则应做到动静皆宜,既为室内增添活力,又与环境融为一体。

在展出的作品中,可看到一些艺术家还处于徘徊状态,其作品风格受到不同大师和思潮的影响,尚没有明晰的个人风格倾向。但我认为这是真正的生态:艺术家的风格形成,是经过自觉判断与选择以后的自然结果。多样性、模糊性、不确定性,本身也是艺术家的一种选择其生命理想和审美取向应由自己决定。走进生命深处调度出来的风格,才是真正的原生态风格,才是有涵养的风格,才是有生命力的风格,才能在众多艺术家风格中脱颖而出。在此,我们要不断追问雕塑艺术的本质是什么?雕塑艺术的精神是什么?就是以勇于创造的形式语言来表达你的思想境界。这种形式语言,既要继承传统,又要自己创新,还能准确地表达个人情感,用一个凝固的时空瞬间建构出一个永恒的精神体。我认为,这就是雕塑的本质!现在很多西方人非常佩服中国的传统文化,所以我们要运用自己的传统,雕塑艺术的传统中还有很多没被发现和挖掘出来的价值。

自此,高孝午在艺术创作中的个人面貌,得以更加清晰和完整。那就是他用当代性的语言材料,诸如不锈钢、玻璃钢,以及影像等等,捕捉和挖掘了一些原始的自然生态,并运用多种综合手段,将神秘的东方美学与当代人的审美想象结合起来,不仅创造性地恢复了传统艺术的表现力,同时也为今天的当代生活,插上了飞翔的翅膀,创造了诸多意外与惊奇。而这,正是高孝午越出某种地域概念,立足于当代艺坛的原因。即在更大的文化与社会关系中,高孝午用自己的艺术探索与语言创新,演绎出了一个个传统与当代、自然与异化之间的思想主题。

对于人类如何认识自己这一深奥的哲学问题,大部分艺术家也没有具体的答案。陈承卫大约也是如此。

著名雕塑家罗丹曾说艺术家要让自己塑造的人物真正成为艺术品,要让它富有生命力,活起来。没有生命便没有艺术,一块石头的欢乐与哀愁,与我们何干呢?雕塑,因城市而闻名;城市,因雕塑而升华。雕塑除了注重外表形式的写实,更应表现出精神层面的活力。无论材质是青铜还是汉白玉,造型现代或复古,艺术品都应带给人美的感受。大家平时工作都很忙碌,当劳累了一周想静下来歇息时,总是希望看到纯美的事物。能表达生活中朴素的真善美和人文关怀的作品,能把人们从庸俗和迷茫中解救出来,得到精神上的慰藉。

柳青 成果肖灿英 554270cm 铸铜 2015年

2017.7.6于通州

梵高给弟弟特奥的信中曾经写道“虽然不易,但如果有一天我能画好自己的肖像,那我就能轻松画出这世间其他红男绿女的肖像了。”人们想要描绘自己是不易的,因为谁也不能看清自己。

创作必须有感而发

一位大师是一个矿藏,一段历史也是一个矿藏,不但供我们挖掘的东西很多,而且其中的元素含量也不一样。对待传统就像对待这些矿藏,我们要善于发现,勤于挖掘,恒于发扬。其实,我们现在对中国传统研究还远远不够,对西方传统研究也不够,对现代主义、当代主义研究同样不够,很多都是道听途说。但我认为,最终要落实到研究大师、研究经典。一生没有多少时间,找几个不同时代的心仪大师去研究,多研究一个大师就像多打开了一扇门。此外,他山之石可以攻玉,不同专业的艺术家,也可以从不同角度对雕塑进行深入研究。来自不同专业领域的别样视角,反而能另辟蹊径,产生极富启发价值的见解。我坚信,在两个一百年奋斗目标实现的时候,在中华民族伟大复兴实现的时候,中国的雕塑艺术将一定被世界所模仿!

而自画像的练习不仅有助于画家练习造型与色彩,还可通过自我观察,深入探索形象的精神气质与心理活动的外在显现。

记者:是的。正如罗丹所言:艺术即感情。这位法国最杰出的现实主义雕塑大师,他将毕生的精力投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的苦苦思索中。他开创了一个全新的时代,创作了一种全新的艺术手法。他的作品所体现出的思想和精神魅力,永远带给人以深沉的美,启迪着人们不停地思考。

不够典型成为普遍问题

《自画像》73×58cm

何健君:艺术家总是把情感表达放在创作的首位,一切技法的运用都成为表达情感独特手法。艺术创作必须有感而发。艺术创作的过程,始于艺术家对以往的生活积累所激发的创作欲,和对被创作事物反应的原始的冲动。这种创作的激情灵感有如石火电光,稍纵即逝。而理性和能力则是艺术家在创作过程中,利用自身的专业技能和综合素养,寻找一个最能体现主题的包括从内容到形式的表达。创作完成后,作品情感的表达能否与观众产生共鸣,是作品完整性的最终检验标准。

铸时代篇章,既是青年雕塑家对民族复兴时代的书写,更是伟大时代对青年雕塑家时代情怀的熔铸。如果没有艺术家的思想与这个时代宏大精神的共振,就不可能真正用雕塑艺术去铸时代篇章。此次展览的主题性创作是雕塑艺术,而不是装置艺术,或是正在欧美流行的当代艺术,这意味着铸时代篇章是用雕塑艺术来熔铸史诗性、纪念碑式的时代篇章,因而,青年雕塑展也在很大程度上体现了青年雕塑家对雕塑艺术的回归。铸时代篇章不但是通过雕塑对我们这个时代人文精神进行雕刻,而且包含着对雕塑民族艺术特征的探索。展览中许多作品对民间美术的借鉴、对中国艺术写意精神极其自然的融入,都是对铸时代篇章的艺术探索,这无疑也是时代赋予青年雕塑家的使命。

2007年布面油画

正如现代抽象表现主义艺术大师汉斯霍夫曼所说:艺术创作中,艺术家的洞察力、现实生活和艺术表现手段,三者缺一不可,他提醒艺术人不建立固有程式去限制自己的创作。

这个展览比较好的原因就是把重大主题性创作的草稿、半成品和这些青年雕塑家平时具有探索性的作品结合在一起,让观众把他们对主题性创作的构思以及他们平时的纯艺术创作联系起来分析。优秀的雕塑作品从来都是将个人化的语言探索和主题创作的思想表达有机地融为一体,只有在这两者之间找到一个最好的结合点,才能把作品思想的熔炼与艺术个性的提升最大限度地呈现出来。这个展览暴露出的青年雕塑家在主题性创作中的问题也是明显的。譬如,典型性不足是一个普遍的问题,雕塑语言所具有的独特性是其高度的概括性,不需用过多的人物铺排和环境渲染。因而,雕塑家要珍惜和慎用作品选择的人物,能用一个人绝不出现第二个人。再如,能否从选题变成主题,每个雕塑家如何表达一个主题,能不能从精神情感出发、从独特的视角出发把故事讲好等等,都涉及到很多雕塑语言和创作规律上的问题。总之,不能因进行重大主题性创作,就把自己擅长的雕塑语言、创作个性丢失殆尽。因为表现这些特定的历史主题反倒应当通过个性的艺术创造,才能将思想表达融入艺术感染之中。

当艺术家能够通过描绘自己抓住自己隐藏的心理时,他们便能够真正的抓住“这世间其他红男绿女”微翘的嘴角,含羞的眼波或者略带忧愁的眉脚了。这大概也是陈承卫一直以来坚持画自己的形象的原因之一,这是一种练习,同时也是一种审视。

以小见大的美学境界

艺术创作还需讲究生熟的火候

用眼睛品读世界的艺术家们总是用画画的方式审视自己的内心,我常常认为这样的艺术家都是勇敢的。他们通过作画,勇敢的寻找着内心。也许在这个时候,时间和脑海才能真正的安静下来,让他们充满创造力的脑海集中精力。

记者:诚然,只有真情实感的东西才能够真正打动人心。此外,还想请教何老师的是,在雕塑艺术创作过程中,您认为还有什么关键要素需要注意。

澳门mgm美高梅官网 ,本次展览作品主要集中于表现当代题材。对于美术家而言,表现当代题材有优势,也有不利的一面。优势在于可以很便利地获得图像素材,比如可以从照片、视频、电视里找到参考资料,有助于塑造人物。不利的一面在于,因为图像太多了,太容易寻找了,创作者反而面临选择的困难。而且一件作品创作出来后,也可能会导致观众在审美上的不认同。从审美接受心理上说,艺术品需要在观众的审美经验和审美期待之间找到一个合适的点。如果一件作品的表现手法、最终形象太接近人们先前的经验,这往往会因审美上的厌倦而产生排斥心理;但是如果作品对于观众来说太陌生了,他同样也难以接受。所以,创作出一件吸引人的作品,难就难在如何在这两点上寻找到一个合适的尺度。这需要大家深入思考。

《自画像》50×60cm

何健君:以小见大,营造作品上的核心和关注点,以点题的含蓄方式启发和延伸观者的想象力,把作品有限的可视空间化为无限的意念空间,这是一种美学境界。例如潘鹤老师的作品《艰苦岁月》,尽管衣衫褴褛,乐观积极的老战士仍然用干瘪的嘴唇欢快地吹奏着动人的旋律,而另一个满脸稚气的小战士则依偎在他身旁,一手抱着长枪,一手托着下颌,津津有味地聆听那悠扬的笛声通过作品,我们犹如听到悠悠的笛子声,使人联想到革命战争的惊涛骇浪。这就是以小见大的美学境界,令人产生联想的东西非常多,内涵非常丰富。

我国传统书画理论里有一个词叫做熟后生,雕塑艺术可能也存在这个问题。本次展出的一些作品,熟的感觉过了一点,而生涩的感觉少了一点。当然,生与熟的含义可以从很多方面展开论述。但简单地说,作品还是要保持一种将要完成而未完成的感觉更好,这也是一种生。王朝文先生在论及艺术创作时曾说不到顶点,其中也包含这样的意思。留有余地,也是尊重观众的审美想象力,让观众用自己的想象去最终完成作品。

2009年布面油画

同时,非常重要的是,作为三度空间的雕塑艺术,在空间上产生的效果和视觉景象。形体的组合及分布,包括方圆、比例的大小、长短、机理上的粗细、点线面的相互作用,及面块的斜与直等不同的角度和体积的厚实感等,都可能对视觉和心理产生影响。英国雕塑家亨利摩尔有句名言:要真正明白一件实体三度空间的存在,你一定要假想当这实体被移去后,那曾被它占领的空间。

主题性创作应突显生命力

陈承卫就是一个勇敢的人,一直坚持不懈的描绘着自己。无论是“自传体”系列或者是“大民国”系列中艺术家穿插在画作中扮演的各种形象,都是艺术家对于自我写照的不断探索。

编辑:admin

本次展览的主题用意还是在塑造历史。塑造历史,就要求创作者是拥有历史意识、具备人文价值思考的人。如果艺术家自己没有这方面的修养,或者说在这方面的认识不够深入,在创作时思想就会表现出狭窄的特征,最终也就无法塑造历史,这是一个显而易见的冲突。也就是说,今天我们尝试创作一个历史重大题材的时候,日趋个人化的创作与主题性创作之间有一个平衡问题。我认为只有将自己的感觉与创作主题有一个很好的结合,才会可能出现一件优秀的创作。因此关于本次展览中的作品,我整体的感觉还是不太能够表现出生命的强力。我们是塑造历史、铸造历史,历史本身应该是宏大的,不应该是纤细、脆弱的。在形体结构和造型空间上,应该追求宏大、直接的感觉。作为艺术家,我们不具备这样的思考和认识,就没有办法用雕塑铸造一个历史,遑论铸造永恒的历史。今天我们进行重大历史题材的创作,寻求的是精神上的内在连接,通过雕塑发展出新的语言。我们能不能创造一种新雕塑,能够对接转化,我觉得还是值得继续深入探究的。同时,我们的雕塑作品在追求纪念碑式的宏大时,还要有更强的象征性和精神性,而不能掉入一个具体的情节刻画。很多时候这种刻画就变得很写实,丧失了精神的象征性。

西方艺术史中,对于艺术家自我形象的认识也经历了漫长的过程,有趣的是这个过程在陈承卫的作品中则是逆向进行的。

艺术史上很早以前艺术家们就开始将自己的形象拐弯抹角的隐藏在作品之中,最著名的无过于委拉斯凯兹《宫娥》镜中倒影的艺术家本人,是戏谑也是一种对于自己身份的认可。

《自画像7号》50×65cm